WORK IN PROGRESS 2012

“Estamos de obras. Disculpen las molestias”.  ¿Quién no se ha topado alguna vez con estas palabras en algún cartel, especialmente en las grandes ciudades?. Después de la consecución de una obra, siempre hay otra en proyecto. Y las reacciones no se hacen esperar: ojos que se tornan en blanco mirando al cielo clamando venganza, labios que refunfuñan palabras malsonantes…Es evidente que la conocida frasecita tiene connotaciones negativas en el imaginario colectivo de la mayoría de los ciudadanos. Sin embargo, en la mente creativa de un artista, estar en obras, puede ir ligado a un necesario sentido de evolución, de progreso, tal y como pone de manifiesto la expresión inglesa work in progress (trabajo aún en proceso) que da título a la exposición que hoy, 5 de marzo, inaugura la Academia de España en Roma. Esta muestra es una primera aproximación al trabajo de los artistas y creadores que están disfrutando de una beca en la prestigiosa institución, con sede en la capital de Italia.

Cada año, el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación (MAEC) y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), con la colaboración de la Fundación Rafael del Pino, convocan las Becas para la Academia de España en Roma para contribuir a que esta institución sea una plataforma de proyección internacional de la cultura creativa de España e Iberoamérica.

En Work in progress podemos ver proyectos en continuo desarrollo, en transformación, que demuestran la dedicación y trabajo necesarios para llevarlos a cabo. En total 16 jóvenes creadores en campos como  arquitectura, artes plásticas, escultura, literatura, artes escénicas, composición musical, fotografía y grabado. Destacamos la presencia de Paula Anta y Belén Rodríguez González, dos de las artistas que forman parte del Archivo de Creadores de Madrid. Plástica representa el interés de Rodríguez en el desorden, lo inesperado y el azar. Inspirada por el  idealismo del movimiento de la Bauhaus-fusión de arte, artesanía, juguetes y funcionalidad- la artista vallisoletana ha partido de unas piezas de plástico encontradas en la playa para realizar su proyecto. Así ha conseguido  una expresión artística de las consecuencias observadas en los fenómenos naturales. El trabajo de Rodríguez cuestiona el modo en el que buscamos imponer orden en el mundo. Se centra en nuestra tendencia en  compartimentar y categorizar el espacio a nuestro alrededor, reflexionando sobre aspectos como el tiempo y las medidas.

El viaje, la naturaleza y la artificialidad unida a las estructuras creadas por el hombre, la historia y el paisaje son los temas que configuran el camino de la obra fotográfica de Paula Anta que se expone en Roma. Jardines botánicos, (burbujas imaginarias de la burguesía positivista del siglo XIX), tiendas de vegetaciones de plástico en Corea, tímidas plantas en el centro de una oficina de Frankfurt, mariposas (unidades de incertidumbre) que son reproducidas de forma controlada en las azoteas de los barrios marginales de Lima, antiguas rutas orientales (cartografías olvidadas) que unen puntos geográficos entre occidente y oriente, rodean un vacío, o un camino, por el que la artista viaja. La  madrileña doctorada en Bellas Artes  por la Universidad Complutense de Madrid ha mostrado su trabajo a nivel nacional, entre otros, en Photoespaña, Palma Photo, CCCB, Matadero Madrid, Círculo de Bellas Artes, Centro de Arte Moderno Hospital del Rey, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Canal de Isabel II, Palacio Revillagigedo de Gijón y Centro Cultural de la Diputación de Ourense.  Además ha participado en ferias tanto nacionales como internacionales como Arco, Estampa, Loop, Foro sur, Arteba o Diva en Nueva York.

Dónde: Academia de España en Roma. Piazza di San Pietro in Montorio, 3, 00153 Roma, Italia

Cuándo: del 5 al 10 de marzo de 2012

Inauguración: 5 de marzo a las 19 h. Entrada libre.

1 comentario »

  1. john edwin murcia dice:

    me parece q su trabajo esta de lujo me gusta mucho la dirección q toman sus proyectos y como reformulan el tema de lo participativo y el entorno ,ambientación ,realidad y experiencias del imaginario y la memoria, yo participo de un proyecto q esta en sus inicios en Colombia ,en la ciudad de Manizales trabajamos en una propuesta de restauración de espacios de la ciudad y la fundación de un centro de investigación cultural IM imagen y movimiento me gustaría estar en contacto con ustedes sus consejos y asesoría nos caerían súper bien ,les agradezco por leer este comentario espero una pronta respuesta

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HAROON MIRZA GANA EL PREMIO CALDER A ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS

Paradigma Emergente, Haroon Mirza (2015)

Paradigma Emergente, Haroon Mirza (2015)

La Fundación Calder de Nueva York ha otorgado el premio homónimo al artista británico Haroon Mirza, que actualmente expone en Abierto x Obras con su proyecto Paradigma Emergente.

El premio nace del éxito del programa de residencias artísticas Atelier Calder en Saché (Francia), que Mirza finalizó en 2013. Busca reconocer el trabajo de artistas contemporáneos que hayan destacado por sus logros creativos en etapas tempranas de su carrera y consiste en una dotación económica de 50.000 dólares, una residencia de tres meses y la colocación de una de sus obras en una gran colección pública.

Reconocido internacionalmente por su trabajo, Haroon Mirza destaca por sus proyectos en torno al sonido, las ondas de luz, la música y la corriente eléctrica. La antigua cámara frigorífica del matadero de Madrid alberga ahora Paradigma Emergente, una instalación de vídeo multicanal que reflexiona sobre el cambio cultural del paradigma contemporáneo al paradigma emergente y que puede visitarse hasta el 10 de enero.

El artista alcanzó la fama internacional en 2011, cuando ganó el León de Plata en la 54ª edición de la Bienal de Venecia. Además, en 2014 recibió también el Premio de Arte de Zúrich y, en 2015, el Premio Nam June Paik Art Center. Ha expuesto en solitario en el Museo Tinguely (Basilea, 2015), en el IMMA (Dublín, 2014), en Le Grand Café (Saint-Nazaire, 2014) o en el New Museum (Nueva York, 2012), entre otros.

A sus logros se suma ahora ser el sexto artista que ha recibido el Calder, y muestra de la repercusión de este premio es el éxito artístico y profesional de los anteriores ganadores: Darren Bader, 2013; Rachel Harrison, 2011; Tomas Saraceno, 2009; Zilvinas Kempinas, 2007; y Tara Donovan, 2005.

ENTREVISTA A HAROON MIRZA / PARADIGMA EMERGENTE

Haroon Mirza | Paradigma Emergente from Matadero Madrid on Vimeo.

Haroon Mirza (Londres, 1977) presenta su primera muestra en solitario en España bajo el título Paradigma Emergente. Un proyecto diseñado específicamente para la antigua cámara frigorífica del que en antaño fuera el matadero de Madrid, como parte de su programa Abierto x Obras.

Paradigma Emergente es una composición escrita para una instalación de vídeo multicanal y corriente eléctrica en directo. Es una instalación inmersiva que reflexiona sobre el cambio cultural del paradigma contemporáneo al paradigma emergente. La obra es «algo entre un disco, videoclip y música de cámara», explica el artista, que se define a sí mismo como compositor y trabaja con “sonido influenciado especialmente por el techno”.

En sus instalaciones, Mirza explora la relación entre sonido, ondas de luz, instrumentos y corriente eléctrica, animando al público a replantearse su percepción de lo que son la música, el sonido y el ruido. El artista construye una narrativa abstracta que explora momentos de la historia social y cultural y su relación con la música.

Haroon Mirza estudió pintura, diseño y teoría en la Escuela de Arte de Winchester, en Goldsmiths y en la Facultad de Arte de Chelsea. Alcanzó la fama internacional en 2011, cuando ganó el León de Plata en la 54ª edición de la Bienal de Venecia. En 2014 recibió también el Premio de Arte de Zúrich y, en 2015, el Premio Nam June Paik Art Center. Ha expuesto en solitario en el Museo Tinguely (Basilea, 2015), en el IMMA (Dublín, 2014), en Le Grand Café (Saint-Nazaire, 2014) o en el New Museum (Nueva York, 2012), entre otros.

Desde el 17 de septiembre 2015
al 10 de enero 2016
Hora: De martes a domingo de 11 a 21 h.

 

TERESA SOLAR ABBOUD Y GUILLERMO MORA EN CONVERSACIÓN PARA MADRID 45 / LÍNEA 3

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El próximo 18 de septiembre, los artistas Teresa Solar Abboud y Guillermo Mora protagonizan una de las conversaciones de Madrid 45 / Línea 3 en la Sala El Águila. Este programa de formación y artes visuales, perteneciente a la Dirección General de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid y dirigido por Tania Pardo y Sergio Rubira, acoge en su seno encuentros, conferencias y talleres con la intención de complementar los programas académicos, favorecer el debate y dinamizar el contexto artístico de la capital.

Tanto Teresa Solar Abboud como Guillermo Mora llevan ya una amplia carrera artística a sus espaldas, a pesar de su juventud, y ambos han presentado previamente su trabajo en Matadero Madrid.

La madrileña Teresa Solar Abboud presentó en 2014 su proyecto Todas las cosas que no están. El filme fue proyectado en Matadero en forma de instalación y narra la visión de la artista sobre la obra del fotógrafo e ingeniero Harold Edgerton. Ambientado en el continente americano de mediados del siglo XX, su producción audiovisual profundiza en conceptos como lo visible y lo invisible, los espacios prohibidos, y la luminosidad y las sombras que estos proyectan.

Por su parte, Guillermo Mora fue uno de los artistas residentes en la primera edición de El Ranchito en 2012, donde desarrolló su proyecto Subir para bajar, una torre de cinco metros de altura construida a partir de materiales desechables que se convirtió en un estudio de pintura durante un mes.

Ahora tienes la oportunidad de verlos juntos en una conversación en la que se pondrán en común herramientas e ideas para analizar el panorama de la creación y las artes plásticas en Madrid. El 18 de septiembre desde las 19.30h en la Sala El Águila (C/ Ramírez de Prado, 3), con entrada libre.

 

 

EUGENIO AMPUDIA INAUGURA ‘REVUELTA’ EN LA GALERÍA MAX ESTRELLA

Revuelta, de Eugenio Ampudia

Eugenio Ampudia abre la temporada expositiva de la Galería Max Estrella de Madrid con Revuelta, un conjunto de piezas que actúan como retrato trágico de nuestro zeitgeist. La obra pretende dar cuenta de un momento muy puntual del que somos testigos: el del cambio de paradigmas culturales y la crisis de la privilegiada posición que ocupaba hasta hace poco tiempo la alta cultura, sus productos y sus tradicionales lugares de difusión.

En sus últimos trabajos, Ampudia indaga bajo una actitud crítica sobre los procesos artísticos y se apoya en una inteligente combinación de riesgo formal y solidez conceptual, que trasgrede de manera arriesgada los límites entre los ámbitos audiovisuales y las prácticas asociadas a las instalaciones y lo escultórico. Muestra de ello fue la imponente instalación que ocupaba Abierto x Obras hasta mayo de este año: Cada palabra es como una innecesaria mancha en el silencio y en la nada.

Como un enorme espejo, esta arriesgada instalación consistía en una alberca de agua oscura que reflejaba toda la sala que en su día fue la cámara frigorífica del matadero municipal. Ese reflejo solo se veía perturbado por unas ondas que provocaba una llamada de teléfono. Una innecesaria mancha en el silencio y en la nada. Con esta obra pretendía poner en cuestión los procesos comunicativos en la actualidad.

Ampudia es uno de los artistas españoles más reconocidos del momento. Además de su paso por Matadero, solo en lo que va de año ha presentado su retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de la Coruña, ha participado en Beyond the Tropics enmarcada en la 56 Bienal de Venecia y el pasado julio comenzaba la itinerancia de El futuro no es de nadie todavía, muestra individual que recorrerá varios museos mexicanos y colombianos.

No te pierdas la oportunidad de volver a ver su trabajo en Madrid y pásate por la Galería Max Estrella (C/ Santo Tomé 6) hasta el 5 de noviembre.

Inauguración: jueves 10 de septiembre, a las 20 h. con entrada libre.